Le printemps à pas de souris, prémices

 

4mars 11h1/2

9 mars, même heure 

Lu et vu (179)

 Lu

L’envers de la peau de Jefferson Tenório

Kanaky Sur les traces d’Alphonse Dianou de Joseph András

Vu

Cinéma

La maison et le monde de Satyajit Ray présenté par Amandine d’Azevedo

Le Mirage de Nirad Mohapatra

Conférence illustrée par Ophélie Wiel : Panorama des Cinémas indiens 

Vu

Bilbao 

Guggenheim 

exposition Arts de la Terre

Jean Dubuffet

L'exposition Arts de la Terre propose une relecture des transformations que les pratiques artistiques ont connues au cours des dernières décennies dans le contexte d'une crise environnementale de plus en plus évidente et incommensurable. 

Augustín Ibarrola

Dessinant une cartographie multidisciplinaire et diversifiée, l'exposition offre un inventaire possible d'outils, de prototypes et d'hypothèses. Ceux-ci ne se présentent pas de manière "Prescriptive", dictant ce qui devrait être fait, pensé ou ressenti, mais plutôt documentaire, recueillant des signes du virage qui, au cours des 60 dernières années au moins, a affecté la production esthétique tant en ce qui concerne les matériaux que la conscience de ceux-ci. 

Daniel Steegmann Mangeané

Cette transformation est attestée par un bon nombre d'œuvres historiques, partiellement ou totalement reconstruites, recréées ou réactivées, ainsi que des pièces contemporaines qui, loin de vouloir durer éternellement, ouvrent la voie à une économie circulaire de l'art. Leur existence est donc subordonnée au maintien des écosystèmes desquels ils proviennent et auxquels ils reviennent.

Joseph Beuys

Des artistes de plusieurs générations du passé récent et appartenant à des cultures très différentes se sont demandés comment travailler avec la terre lorsqu'elle a le plus besoin de soins et de réparations ; comment apprécier et rendre la pareille à ses dons ; comment apprendre de ce qu'elle nous apporte, alors qu'elle semble dépouillée de sa richesse originelle. (…)

María Cueto

à l’Alhondiga, Anonyme de Txuspo Poyo

Anonyme est la plus longue exposition de Txuspo Poyo réalisée à ce jour. Une large sélection de projets provenant de différents moments et contextes est présentée pour la première fois et, de manière ouverte, dialoguent entre eux.

Les marteaux 

 Tous reflètent la complexité et les changements de paradigme d'une époque en constante transformation. D'autre part, Anónima est un territoire que l'on atteint, une sorte d'expérience acquise, un répertoire de ressources méthodologiques et de rencontres occasionnelles destinées à se confronter, à douter d'eux-mêmes, à se générer à travers eux-mêmes. Et Anonyme est aussi la façon dont la culture s'approprie les images, les mots, les objets, les matériaux et les héritages, les fait siens et les lance dans la sphère publique pour qu'ils servent d'autres personnes qui, à leur tour, pourront les faire circuler à nouveau.

Txuspo Poyo (Alsasua, 1963) est un artiste multidisciplinaire qui élabore des projets de longue durée dans lesquels s'entremêlent, comme dans un tissu, les domaines de recherche et les champs d'action. Tuspo Poyo ne met pas en place une méthodologie procédurale unique, valable pour tout projet, mais c'est le travail lui-même et la recherche associée qui définit une façon de procéder personnalisée et, à son tour, ce qui constitue sa disposition finale. L'anonymat dans votre cas n'est pas déterminé par le masquage de l'identité ou l'exonération de responsabilité. Il le fait par l'utilisation d'une série de matériaux, tels que du papier de presse, du celluloïd, des cartes postales, des objets d'occasion, certains provenant de collections diverses... qui dérivent d'un temps, appartiennent à un lieu et ont une paternité indéfinie. La combinaison de ces incertitudes avec la certitude qu'offre un travail à caractère prospectif fait de son travail un champ fertile en références et ouvert aux interprétations.

Les marteaux 

Les marteaux rassemblés pour cette installation font référence aux différents métiers qui ont utilisé cet outil. Aujourd'hui, beaucoup d'entre eux ont été remplacés par des machines ou ont tout simplement disparu, mais leur fonction symbolique, voire mémoristique, perdure.

Les « dire comme des clous », malgré la perte de l'utilisation de l'outil ou la disparition du métier, survivent dans le discours familier.

Conversation (58) dans le bus

 trois jeunes gens, ils parlent fort, grands gestes, au Ah ! non pas la purée, ça colle au palais, Je te dénigre pas la morue mais et ses yeux brillent. je l’aime que dans les acras, les deux autres approuvent, l’un Oui, alors, les acras, ça fracasse, une journée de Ramadan les attend, ils descendent au lycée

Par les sous-bois (18)

 

 Pierre Bergounioux, Liber (1998)

Le mot liber, en latin, désignait la partie vivante de l'écorce. Il a passé sous cette forme, et avec le même sens, en français. Comme cette partie de l'arbre servait à écrire, liber en est venu à s'appliquer au livre. 

Mais il avait d'autres significations, dans la vieille langue mère : il signifiait socialement libre, affranchi de charges et de servitudes. On l'employait parfois au singulier, pour désigner l'enfant. Enfin, c'était le nom d'une vieille divinité que l'on a confondue, plus tard, avec Bacchus. Horace, dans ses Odes, s'en sert pour parler du vin.

L'étymologie est une science du passé, de la lettre morte, des paroles gelées. Elle ne saurait déchiffrer la signification de l'heure toujours neuve qu'il est. Il se trouve, pourtant, que les divers sens qui s'attachèrent, jadis, au mot liber flottent encore autour de livre. L'occasion était trop belle pour la laisser passer.

Puisque le livre a rapport à l'arbre, qu'il désigne sa partie vivante, cette couche de l'écorce par laquelle s'effectue la circulation de la sève, le passage de la vie, je parlerai d'abord de ce qui me semble constituer le trait majeur de l'époque actuelle : à savoir la disparition de la société agraire traditionnelle, du monde bocager, lacustre, immobile, vieux de deux mille ans, que les vingt dernières années ont balayé.(…)

Des acceptions primitives du mot liber, un seule a survécu : le livre. Mais elle combine toutes les autres. C'est à la chose de papier de dispenser l'ivresse, la sève, la liberté que la réalité contemporaine a exilées. Il y a un goût amer au temps que nous vivons. Mais il contient, comme chacun des moments dont notre histoire est faite, une requête intemporelle. Il exige que nous tâchions à réaliser, quoiqu'il advienne, la forme entière de notre condition. Quand les choses qui exaltèrent Rimbaud, l'oiseleur, l'enfant-fée, ont déserté le paysage, c'est au livre qu'il appartient de prodiguer aux enfants leur dû imprescriptible d'images, d'errances, de rêves et de beauté.

par les sous-bois (17)

 

dans ce qu’il reste du fût d’un vieil arbre

une brassée de feuilles mortes

une bogue

une noisette

un point de mousse vert tendre

une branchette de hêtre

un pinceau de lumière pour creux et reliefs

offrande

Bilbao

 

marché de la Ribera, à l’honneur des femmes remarquables Clara Campoamor, Rosa Parks, Dolores Ibarrurri, Marie Colvin, Marie Curie, Frida Kahlo, Rigoberta Menchú, toi, Casilda Iturrizar, Edurne Pasaban

et un peu plus loin, le long du Nervión, à quelques pas du Guggenheim, Sirgueras Hâleuses,

"Zirgariak - Sirgueras"

Altzairua 409L / Acero 409L

Dora Salazar

Zutik emakumeak Debout les femmes 

L’œuvre rend hommage à la figure des  "sirgueras", les femmes qui hâlaient les bateaux le long de l'estuaire au seul moyen d’une corde, une sirga et de leur propre force.

Burgos

 

paseo Espolón, 

27 février, 9h45

et son kiosque, du soleil dans cette ville réputée la plus froide d’Espagne,

lire son journal El Correo de Burgos sur un banc un plaisir rare, du jamais vu en février 

Lu et vu (178)

Lu

Le grand cahier d’Agota Kristof

Vu

À Burgos au Centro de Arte Caja de Burgos

Matiás Ercole Me olvidé de mis ojos J’ai oublié mes yeux 

Matías Ercole comprend le paysage comme un territoire où l'identité, la mémoire et la culture s'entremêlent. "Le dessin est capable de nous révéler des structures invisibles du paysage et de la mémoire", note l'artiste. Ses œuvres montrent un monde en transformation, un organisme visuel qui semble s'étendre, se contracter et muter sous le regard du spectateur.

Le projet explore le paysage en tant que construction culturelle : un champ de frictions où coexistent le crédible, l'émotionnel et le symbolique. Les images ne décrivent pas un lieu ; elles s'interrogent sur les conditions qui nous permettent de l'imaginer ou de nous en approprier. Au CAB, ses œuvres acquièrent une dimension architecturale décisive. Déployés comme des murs, des passages ou des fragments d'un bâtiment imaginaire, ils transforment la salle en un parcours qui exige une position active du spectateur.

Ercole a recours à une technique inhabituelle dans la pratique contemporaine : le sgraffido, utilisé comme méthode de fouille. Chaque incision fait émerger des couches de lumière et de couleur qui altèrent la perception du paysage et remettent en question les codes traditionnels de sa représentation. Ce geste relie les références latino-américaines - le sauvage et le mythique, des imaginaires anthropophages de Tarsila do Amaral aux archives de voyage de Johann Moritz Rugendas - à l'héritage européen du paysage compris comme l'art de l'ordre et la projection culturelle.

Matías Ercole (Buenos Aires, 1987) vit entre Rome et Buenos Aires. Formé en arts visuels et avec une carrière reconnue en Argentine et en Europe, il a reçu des prix tels que le Nuevo Talento Drawing Room Lisboa ou le Premier Prix d'Acquisition du Salon National. Son œuvre fait partie de diverses collections publiques et privées et a été exposée dans des institutions des deux continents.

à Valladolid 

au Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Espagnol

le travail de Chiara Camoni

Dans la chapelle, Camoni place des pièces de sa série Colonne (colonnes) œuvres d'origine architecturale, comme le montre son titre, mais qui sont puissamment anthropomorphes. En eux, on perçoit une profonde ambivalence, car ils font appel à l'humain, à l'animal, à l'architecture, au naturel... Des notions oniriques circulent autour d'elles comme un vent chaud et léger qui caresse doucement les feuilles et les branches, et entre elles glissent des échos d'histoires mythiques. Mais surtout, ce que ces pièces transmettent est un engagement incontournable envers la qualité plastique de tout exercice artistique.

Nous assistons ici à des climats variés qui oscillent entre l'austérité et l'exubérance.

La céramique est le domaine qu’elle cultive avec le plus d'emphase. Elle incorpore dans ses figures une matière vivante provenant de la nature avec laquelle il renvoie paradoxalement à des lieux ataviques. Dans son travail, on observe une réflexion sur la tradition, qui est ici ductile, perméable, hybride. Parce que dans son répertoire, on entend des voix qui proviennent de cultures ancestrales - préhelléniques pour la plupart -, mais on voit aussi des traces qui nous mènent au maniérisme ou au baroque.

Il y a un faire collectif qui atteint un parti pris politique. L'atelier de Camoni est situé à Fabbiano, un petit village près de Lucques, en Toscane, où l'on pratique un militantisme de l'ordinaire. La terre et l'eau se rencontrent, et dans le fort sens de la communauté qui s'y forge, l'étonnement de l'imprévisible naît.

Deux chiens saluent le visiteur à son arrivée dans la salle 9. Il y a en eux un attachement au tellurique, car ils renvoient à la matière dont ils sont nés. Au centre de la salle, nous voyons les célèbres mosaïques de l'artiste. Ils désignent un lieu et dégagent cet arôme de vestige, de l'espace qui était. 

En arrière-plan, des structures en cuivre accueillent des soies sur laquelle on voit imprimées des formes de coupe spectrale, prises directement de la nature, comme un frottage. Elles offrent des présences incertaines, enveloppées dans le mystère qu'elles offrent invariablement en convoquant la vie et l'art.

mais aussi de Luis Fernandez

Sandra Gamarra

Adolfo Schlosser

 

au Musée de la Sculpture Luisa Roldán, une sculptrice à la cour

À une époque qui n'a pas donné d'espace propre aux femmes au-delà du noso ou du couvent, la figure de Luisa Roldán (Séville, 1652-Madrid, 1706) s'éleve comme un cas inhabituel dans l'Europe baroque. Fille de Pedro Roldán, le plus célèbre sculpteur de Séville à la fin du XVIIe siècle, son intégration dans l'atelier familial lui a permis de se lancer dans la profession sans enfreindre aucune norme sociale.

À dix-neuf ans, consciente de son talent, elle fuit la tutelle paternelle pour épouser le sculpteur Luis Antonio de los Arcos, qui signera les contrats pour les commandes de Luisa. Après son séjour à Séville et Cadix, elle s'installe à Madrid en 1688 et est nommée sculptrice de chambre de Charles II puis de Philippe V.

Sa vie était paradoxale : elle est morte le jour même où l'Académie de San Luca de Rome l'a nommée « academica di merito », bien que, quelques jours auparavant, elle ait signé une déclaration de pauvreté.

C'était une créatrice très polyvalente, mais elle s'est fait particulièrement apprécier à la Cour pour ses belles terre cuites - « bijoux de sculpture », les appelait-, un matériau humble dont elle extraira une délicatesse peu commune, qui annonçait la légèreté et la grâce que la sensibilité rococo imposera des décennies plus tard.

Ses silhouettes transmettent une fraîcheur naturelle, comme si elles s'arrêtaient au milieu de son geste. Cette vivacité amicale et bavarde, associée à sa reconstitution minutieuse, à ses vêtements richement élaborés et à ses couleurs sucrées, trouvera son environnement idéal dans l'intimité des cabinets et des chapelles de l’aristocratie à la cour. 

CATALÀ-ROCA LA LUCIDITÉ DU REGARD

Après le centième anniversaire de sa naissance, Francesc Català-Roca s'est imposé comme l'une des figures fondamentales de la photographie humaniste documentaire de l'après-guerre espagnole ; le père de la génération qui a renouvelé le langage photographique et une référence pour la génération suivante.

Connaissant la photographie artistique d'avant-garde et les tendances expérimentales qui ont précédé la guerre civile, préoccupées par la recherche d'un langage expressif, esthétique, dans lequel la forme prédominait sur le contenu, Català-Roca a opté dans l'après-guerre pour une photographie (…) qui reflétait la réalité qui l'entourait au-dessus de toute expérimentation artistique.

(…)

Dans ses photographies, nous trouvons le portrait de la ville et de ses habitants, sa culture, ses traditions, ses personnages, ses modes de vie, ses difficultés et aussi ses illusions ; un dynamisme qui nous parle des changements qui se produisent dans l'économie et dans l'architecture d'un pays qui commence peu à peu à se remettre des ravages de la guerre civile.

Ainsi, nous trouvons des photographies dans lesquelles les moyens de transport en voitures, en calèches et en mules coexistent avec les bus à deux étages et les voitures de luxe ; les vendeurs de rue, les vendeurs de rue, les nettoyeurs de chaussures, les nettoyeurs de chaussures, avec des gens insouciants arborant leur cœur de palmier ou se baignant sur les plages ; la pauvreté des bidonvilles avec la richesse des intérieurs de certaines maisons et l'élégante bourgeoisie qui se rend au Liceo ; l'animation et l'agitation de certaines rues avec le vide et la solitude d'autres. (…).

Son travail, multidisciplinaire, ne se résume pas à la photographie documentaire humaniste, mais également à l'artisanat, à l'art, ainsi qu'à de nombreux documentaires.

une pensée pour le travail de Barbara Asei Dantoni découvert au musée des Beaux-arts de Pau, un accent détour sur la beauté des vêtements sacerdotaux 

XVIII ème des fils d’argent tissés dans de la soie

cape de pluie, soie et fil d’or, XVème siècle, Burgos

un concert aux chandelles à l’église San Pablo