Petites choses (146) qui choquent

 Hendaye, passage de la frontière en bus. Le chauffeur Voyons si on prend du retard ici. Celui qui prendra le relais à Bayonne Oui, c’est toujours chaud ici. Et ça ne loupe pas, contrôle d’identité. On redémarre, cinquante mètres plus loin, nouvel arrêt, le collègue Et vas-y, maintenant ils mettent les chiens, y z’ont rien d’autre à foutre, de vrais casse-couilles, le chauffeur ne moufte pas, descend ouvrir les soutes, remonte et fataliste La vérité, t’as vu ma tête ? on redémarre

dans le Zazpi Kaleak Sept Rues, le vieux quartier de Bilbao

 

faire joli et se démarquer pour mieux vendre ses fruits et légumes 

à Budapest ausi

 

on garde la façade, on casse tout à l’intérieur, 

à même la rue, des sacs entiers de gravats, des livres, des piles de revues, des cache-pots. des miroirs, des cadres, des fauteuils dans lesquels les enfants ont joué, 

 un autre temps, des souvenirs, ce que l’on laisse derrière soi

jardins du palais de Schönbrunn

Vienne, 19 avril, 10 heures 

Parapluie (11), l’orage, une averse soudaine

 

Vienne, parc du Palais, 19 avril, 15 heures 

Lu et vu (185)

Vu

Cinéma 

Bleu de Krysztof Kieslowski

À Budapest 

La Grande Synagogue 

Musée des Beaux-arts 

Jan van Horst vers 1572, Marché

une sélection d’œuvres de la collection privée Blocher a été présentée sous le titre « Desire for an Earthly Paradise » dont des œuvres du peintre et suisse Anker

Anker a abordé les personnalités et la vie intérieure des enfants avec une constance et une profondeur rares. Sur les quelques 800 œuvres de son œuvre, quelque 500 sont centrées sur les enfants, fournissant une source inépuisable de motifs et d'inspiration visuelle.

Son engagement envers ce sujet a été façonné en partie par une tragédie personnelle : ayant perdu deux frères et sœurs et plus tard deux fils, la vie - en particulier la vie des enfants - avait une signification particulière pour lui.

Théologien devenu peintre, Anker s'engageait fréquemment dans des débats théologiques dans sa correspondance, invoquant souvent un verset biblique, d'où il a dérivé son credo artistique : "Voyez, la Terre n'est pas maudite !" Ce credo parcourt tout au long de son œuvre, qui accorde une importance particulière à la représentation de l'enfance, conçue comme étant la plus proche de la bonté et de l'innocence initiales de l'existence humaine.

à l’Ernst Museum 

en haut des marches, André Kertész The sentimentalist 

… et Capa pour Conversation à Budapest, 1948 

"Capa est une invention", a écrit John Hersey dans sa critique contemporaine de Slightly Out of Focus. En effet, avec le nom qu'il a adopté à Paris en 1936, l'ancien Endre Friedmann a créé son propre mythe de son vivant. Après sa mort prématurée et tragique, un prix important a été nommé à son nom : la médaille d'or pour le meilleur reportage photographique publié de l'étranger nécessitant un courage et une entreprise exceptionnels. En même temps, ses écrits survivants se lisent comme des épisodes d'un roman picaresque, dans lequel le héros nommé Capa plie la réalité. 

à Vienne 

L’Albertina

Monnet et Picasso

Honoré Daumier, Miroir de la société

L'artiste français Honoré Daumier (1808-1879) fascine en tant qu'observateur astucieux, brillant dessinateur et narrateur incisif. Outre ses peintures et sculptures, ses plus de 4 000 lithographies, qu'il a conçues pour diverses magazines parisiens, sont particulièrement bien connus. Grâce à ses caricatures engagées, il est devenu la conscience d'une époque de bouleversements. Des événements marquants tels que les révolutions de 1830 et 1848 et la guerre franco-prussienne de 1870-71 ont façonné son siècle, tout comme un profond changement social. Daumier a accompagné le long voyage de la France de la monarchie à la république avec une vision critique mais profondément humaine des circonstances de l'époque. Il s'est concentré sur les événements politiques, le pouvoir judiciaire et la culture. Avec un humour subtil, il a également commenté la vie urbaine moderne dans une période de transformation et les problèmes quotidiens de la population.

En plus de son vaste corpus d'estampes, l'artiste a créé de nombreuses sculptures et, à partir du milieu des années 1840, un nombre croissant de dessins et de peintures indépendants qui témoignent de son énorme expressivité et sensibilité créatives.

L'examen par Daumier de questions fondamentales telles que la liberté d'expression, la liberté de la presse et l'engagement politique individuel rend son art pertinent même aujourd'hui.

L'exposition présente une sélection d'environ 200 œuvres de l'ensemble de son œuvre et de tous les genres artistiques, avec un nombre substantiel de prêts précieux complétant les propres avoirs du musée Albertina. De nombreuses expositions proviennent de la collection exceptionnelle de l'expert Daumier basé à Francfort Hans-Jürgen Hellwig, qu'il a donnée au Museums-Verein du Städel Museum en 2024. Avec des peintures sélectionnées d'autres prêteurs européens, ces œuvres véhiculent l'inventivité et l'esprit extraordinaires d'un artiste dont l'œuvre reste un miroir intemporel de la société.

le photographe Richard Prince

Care matters

UNE EXPOSITION DE LA COLLECTION VERBUND, CARE MATTERS, organisée par son directeur fondateur Gabriele Schor, présente une cinquantaine d'œuvres de trente-deux artistes autrichiens et internationaux sur le thème du sujet socio-politiquement pertinent du travail de soins. 

Beaucoup de ces œuvres n'ont été acquises que récemment par la COLLECTION VERBUND et sont exposées en Autriche pour la première fois.

"Care" est un terme complexe : nous nous soucions de quelqu'un, nous prenons soin de quelqu'un.

LA ERBUND COLLECTION a été fondée par le fournisseur d'énergie autrichien VERBUND AG en 2004 et possède plus d'un millier d'œuvres d'art de quelque deux cents artistes.

Kirsten Justesen Déjeuner 1975/2018

L'artiste danoise Kirsten Justesen est assise nue dans un caddie roulant à travers un paysage ouvert. Le déjeuner est mis en scène de manière ambiguë. La vue du paysage ouvert et le geste de ses bras tendus tout en se penchant en arrière suggèrent la libération des femmes des conventions sociales.

L'artiste apprécie visiblement cet acte d'autonomisation. En même temps, Justesen réfléchit de manière critique à cette mise en scène : la femme est dégradée en objet, apparaissant comme une marchandise dans un chariot.

L'artiste reprend ainsi un aspect essentiel de l'avant-garde féministe des années 1970 : l'ironie était souvent utilisée comme une arme par les femmes de ce mouvement dans leur lutte contre le patriarcat.

Travail REPRODUCTIF ENTRE LA POLITIQUE DE CLASSE ET LE RACISME

En examinant le travail de soins, il devient clair que non seulement le travail de reproduction non rémunéré, mais aussi le travail de reproduction rémunéré reste largement invisible. Ce travail souvent inéquis est principalement effectué par des femmes. En outre, une autre disparité est révélée : précisément là où le travail de reproduction est externalisé, des inégalités émergent qui découlent d'héritages racistes et coloniaux et illustrent le désavantage social.

Lorna Simpson aborde l'hypocrisie qui prévaut aux États-Unis, où il y a une demande de travail effectué par les Noirs, mais les personnes derrière elle sont méprisées. Mary Sibande examine le racisme dans le domaine du travail de soins rémunéré en Afrique du Sud. À Abya Yala - le nom précolonial pour le continent américain - des artistes du Pérou, de Colombie, du Panama et du Brésil illustrent comment les structures de pouvoir coloniales continuent de prévaloir dans le travail de soins. Nicole Wermers, d'autre part, met la femme de ménage qui effectue le travail de reproduction sur un piédestal. La représentation par Margot Pilz des femmes qui travaillent cinquante ans plus tôt est complètement différente : elle montre la femme qui travaille dur comme une ombre derrière son mari. 

Tous ces artistes démontrent que le travail reproductif rémunéré n'est souvent pas apprécié et ne donnent pas aux travailleurs des soins la visibilité et la reconnaissance qu'ils méritent.

Kunsthistorisches Museum 

Le sacrifice d’Isaac d’Andrea Mantegna

une exposition temporaire Canaletto Bellotto

Le parc de Schönbrunn

et celui du Palais du Belvédère 

animaux de compagnie

Bellotto, Le palais du jardin du Liechtenstein à Vienne, vu du Belvédère, 1759-60

à gauche deux chiens dressés sur leurs pattes arrière, à droite à peine un peu plus grand, un jeune serviteur noir, au centre, les dominant de sa taille, puissant, leur maître, blanc ça va de soi 

détail 

lèche-vitrines à Budapest

 

voilà Mr.XL habillé pour l’été 

à Budapest aussi le printemps

lilas en fleur de l’île Marguerite,

les jonquilles sont si vite passées, 

impression de les avoir à peine vues

Petites choses (145) qui touchent

 

Varósliget Musée des Beaux-Arts midi 

dans l’ombre d’une Annonciation, un peu à l’écart, deux jeunes femmes penchées côté-à-côte sur leur bébé, elles donnent le sein.

Budapest

 

VII Kerulet 10 heures 

le jour où jamais de lire son journal de près

Lu et vu (184)

 Lu

La maison des solitudes de Constance Rivière 

Vallées secrètes Bernard Minier Entretiens avec Fabrice Lardreau

Freshkills Recycler la terre de Lucie Taïeb

Petits travaux pour un palais de Lásló Krasznahorkai 

Vu

Romería de Carla Simón

Bilbao au Guggenheim 

RUTH ASAWA: RÉTROSPECTIVE

«Un artiste est une personne ordinaire qui transforme l'ordinaire en extraordinaire » -Ruth Asawa. 

Au fil de dix sections qui embrassent soixante ans de carrière, cette exposition retrace en détail la pratique innovante d'une artiste emblématique. Le travail créatif de Ruth Aiko Asawa (Norwalk, Californie, Etats Unis, 1926 - San Francisco, Californie, États Unis, 2013) est pleinement integré à sa vie quotidienne d'artiste, d'enseignante et de défenseure des arts. 

Cette interconnexion est perceptible dans les photos et autres documents présentés ici, comme une réponse aux œuvres présentées: des sculptures en fil de fer bouclé suspendues qui ont fait sa renommée, aux pièces en fil de fer ligaturé inspirées de la nature, en passant par des moulages en argile ou en bronze coulé, des papiers pliés, des peintures, des dessins, des carnets de croquis et des gravures. 

Remettant en question les distinctions entre abstraction et représentation, figure et fond ou encore espace négatif et positif, son oeuvre nous invite à contempler la manière dont des éléments disparates interagissent dans une composition qui, à son tour, est en connexion profonde avec son environnement.

Asawa est la quatrième des sept enfants d'un couple de fermiers japonais immigrés. Pendant la Seconde Guerre mondiale, elle est internée avec sa famille dans les camps pour nippo-américains établis aux Etats-Unis. En 1946, après s'être vu refuser un diplôme d'enseignement artistique en raison de préjugés antijaponais, elle intègre le Black Mountain College, une école d'avant-garde de Caroline du Nord. C'est dans l'ambiance democratique de cette école que débute son parcours créatif, fondé sur l'expérimentation et l'éthique du travail. Depuis son séjour à Black Mountain jusquà la fin de sa vie à San Francisco, où elle s'installe en 1949, la pratique artistique d'Asawa répond à des paramètres bien définis liés à l'exploration de la transparence, la continuité et l'espace. Dans les années 1960 elle élargit son champ d'action et s'engage directement aupès de sa communauté par le biais de commandes publiques, de l'éducation artistique et de l'engagement civique.

S'inspirant de l'œuvre multiforme de l'artiste, cette rétrospective retrace la carrière et l'ouvre d'Asawa, en mettant en lumiere son incessante expérimentation sur les matériaux et les formes, qui se manifeste par des innovations radicales.

à la ferme ((18)

Izar Étoile (sur le front), on la connaît et voici sa petite, vive comme l’éclair, alors son nom a été vite trouvé Éclair justement Ximist (prononcer Chimist’) et on la garde bien sûr

juste avant l’explosion des bourgeons,

 

sur la ligne d’horizon,

comme une écriture indéchiffrable, 

un dessein secret, 

l’armature d’un paysage en train de s’ourdir

ombre et lumière (16)

 

à la ferme (17)

 

prendre le soleil,

prendre les eaux 

culte du sport

 

séance d’étirements en famille 

Lu et vu (183)

 Lu

Les Limites de la nuit de Eduardo Antonio Parra

La porte de Magda Szabó

L’heure anglaise de Julie Wolkenstein

La carte postale d’Anne Berest

   Après avoir lu le livre que Georges m'avait donné, Enfants de survivants de Nathalie Zajde, j'ai découvert tout ce que j'aurais pu dire à Déborah lors du dîner de Pessah.

Les réponses arrivaient seulement avec quelques semaines de retard. Déborah, je ne sais pas ce que veut dire « être vraiment juif » ou « ne l'être pas vraiment ». Je peux simplement t'apprendre que je suis une enfant de survivant.

C'est-à-dire, quelqu'un qui ne connaît pas les gestes du Seder mais dont la famille est morte dans des chambres à gaz. Quelqu'un qui fait les mêmes cauchemars que sa mère et cherche sa place parmi les vivants. Quelqu'un dont le corps est la tombe de ceux qui n'ont pu trouver leur sépulture. Déborah, tu affirmes que je suis juive quand ça m'arrange. Lorsque ma fille est née, que je l'ai prise dans mes bras à la maternité, tu sais à quoi j'ai pensé ? La première image qui m'a traversée ? L'image des mères qui allaitaient quand on les a envoyées dans les chambres à gaz. Alors voilà, cela m'arrangerait de ne pas penser à Auschwitz, tous les jours. Cela m'arrangerait que les choses soient autrement. Cela m'arrangerait de ne pas avoir peur de l'administration, peur du gaz, peur de perdre mes papiers, peur des endroits clos, peur de la morsure des chiens, peur de passer des frontières, peur de prendre des avions, peur des foules et de l'exaltation de la virilité, peur des hommes quand ils sont en bande, peur qu'on me prenne mes enfants, peur des gens qui obéissent, peur de l'uniforme, peur d'arriver en retard, peur de me faire attraper par la police, peur quand je dois refaire mes papiers... peur de dire que je suis juive.

Et cela, tout le temps. Pas « quand ça m'arrange». J'ai, inscrit dans mes cellules, le souvenir d'une expérience de danger si violente, qu'il me semble parfois l'avoir vraiment vécue ou devoir la revivre. La mort me semble toujours imminente. J'ai le sentiment d'être une proie. Je me sens souvent soumise à une forme d'anéantissement. Je cherche dans les livres d'Histoire celle qu'on ne m'a pas racontée.

Je veux lire, encore et toujours. Ma soif de connaissance n'est jamais étanchée. Je me sens parfois une étrangère. Je vois des obstacles là où d'autres n'en voient pas. Je n'arrive pas à faire coïncider l'idée de ma famille avec cette référence mythologique qu'est le génocide. Et cette difficulté me constitue tout entière. Cette chose me définit. Pendant presque quarante ans, j'ai cherché à tracer un dessin qui puisse me ressembler, sans y parvenir. Mais aujourd'hui je peux relier tous les points entre eux, pour voir apparaître, parmi la constellation des fragments éparpillés sur la page, une silhouette dans laquelle je me reconnais enfin : je suis fille et petite-fille de survivants. (p 480, 481)

Vu 

Cinéma

Nuestra tierra de Lucrezia Martel (documentaire)

Spectacle 

France-Fantôme de Tiphaine Raffier

expositions à Saint-Sébastien 

Elena Asins Espace structure temps

Jon Gorospe Morphologies urbaines 

s’asseoir là (10)

 

parc Beaumont

la lumière est belle, le printemps piaffe, les croiser tous les trois assez tôt un dimanche, deux hommes une femme, sourires joyeux dans le matin frais et lancer tout de go Pau, une belle ville, hein ? s’éloigner rapidement, l’un Comment vous savez qu’on n’est pas d’ici ? Oui, comment on sait, peut-être un regard qui flotte et hésite sur les choses, s’attarde aussi, peut-être 

Madrid

 

il fait beau, 

penser à sortir les chiens 

17 mars,16h30,  parque del Retiro

à côté, au Retiro, c’est bien

passerelle de Jurançon

dans l’épaisseur de nuages une échancrure de bleu, accueilli par le gave le ciel se fait vaste et profond, deux hommes pêchent un peu plus loin sur la droite, premières gouttes, pas de vieux os pour l’un, il replie déjà sa canne

ombre et lumière (15)

Bizanos, château de Franqueville, 20 mars, 10h1/4

Lu et vu (182)

 Lu 

Petite sale de Louise Mey

Nord Sentinelle de Jérôme Ferrari 

Hiver à Sokcho d’Elisa Shua Dusapin

Zurbarán texte de Cees Nooteboom 

Nature morte au verre d'eau et à la rose

vers 1630, 21,2 * 30,1 cm

Londres, The National Gallery

Vu

Orwell 2+2 = 5 de Raoul Peck

Ce qu’il reste de nous de Cherien Dabis

Le Miroir aux alouettes de Ján Kadár et Elmar Klos

Par les sous-bois (19)

 

un chien et son maître 

dans la ville

 

Madrid 17 mars 10h1/4

ses talons claquent sur le pavé, silhouette longiligne, toute de noir vêtue, du cuir, une casquette crânement posée sur sa chevelure, elle a travaillé son apparence, on se retourne sur elle,

sur le trottoir d’en face, allongée à même des cartons, enfouie sous des couvertures, elle dort, on ne se retourne pas sur elle, 

une autre femme

Petites choses (144) qui réchauffent le cœur

 

Madrid, Lavapiés, 18 mars, 10 h

des reflets dans une vitrine, un bout de ciel, à tire d’aile des mobiles livres s’envolent à l’assaut des nuages

Conversation (59) entre amies

cinq six autour d’une table, les angoisses liées à l’actualité, ce qui rampe autour de soi. puis l’une Moi, ça m’est égal, j’ai la  double nationalité Son amie, elle sourit Oui mais toi tu es noire L’autre Oui, mais moi je peux partir La première avec douceur comme si elle s’adressait à une enfant récalcitrante Oui, mais t’es noire, un temps, est-ce drôle, légère hésitation, flottement, on rit

le lendemain, d’autres arbres à fleurs roses et blanches

 

il vient à votre rencontre Vous regardez quoi, vous voulez acheter la maison, ah ! les arbres, des merisiers, oui, les roses aussi, ça donne de petits fruits, comment c’est venu. je sais pas moi et soudain fulminant, de toute façon, il faut tous les arracher, vous voyez pas qu’ils sont malades ou quoi, ils veulent pas qu’on y touche, que c’est joli, que c’est l’identité de la rue, des mots comme ça,

tenez, de l’autre côté, visez-moi ça là crevé, un haussement d’épaules exaspéré, il tourne les talons

Petites choses (143) qui réchauffent le cœur

Quand un arbre décoratif  étreint un jeune cerisier. 

Avec une pensée pour la fin de Philémon et Baucis

Wikipédia : pour les récompenser de leur hospitalité, Zeus et Hermès leur demandent d'aller sur une montagne et les préservent d'un déluge dont ils inondent la contrée, punissant ainsi ses habitants inhospitaliers. Ils changent leur cabane en temple. Philémon et Baucis émettent le souhait d'en être les gardiens et de ne pas être séparés dans la mort. Zeus les exauce : ils vivent ainsi dans le temple jusqu'à leur ultime vieillesse et, à leur mort, ils sont changés en arbres qui mêlent leur feuillage, Philémon en chêne et Baucis en tilleul.

Lu et vu (181)

 Lu

Le jeu de la dame de Walter Travis

L’autre fille d’Annie Ernaux

Le grand fleuve Amour de Leta Semadeni

   Avant de sortir de chez Olga, Elsa se regarda rapidement dans le miroir. C'est pénible de se voir flétrir, dit-elle. Le corps exige de plus en plus d'attention. L'enveloppe se dessèche, la carcasse devient branlante et la chair flasque.

   Elle se remit du rouge à lèvres et essaya de choper une mouche qui était sur le bord du miroir.

   Comment une mouche vit-elle l'écoulement de son temps ? demanda-t-elle à Olga. Les ravages du corps étaient-ils moins perceptibles quand on était une mouche et que le temps était si limité ? (p 165)

Vu 

Conférence 

Gilles Clément Le brassage planétaire 

Spectacle

La malquerida de Jacinto Benavente mis en scène par Natalia Menéndez 

A Tire d’Elles -L’art d’accommoder les restes de la compagnie Rocking Chair Théâtre (marionnettes)

Madrid expositions 

au Reina Sofía

Máscara y compás de Maruja Mallo (rétrospective)

ese barco en la montaña de Juan Uslé (rétrospective)

1986 Ce bateau dans la montagne 
Huile, vinyle, dispersion et pigment sec sur toile

   

"La première chose que j'ai faite avant de prétendre faire quelque chose de nouveau, dans ce contexte totalement inconnu pour nous, a été d'essayer de me répéter, presque de me cloner en essayant de peindre à nouveau 1960. Sans m'en rendre compte, cette version est devenue une nouvelle image de la précédente, faite de l'autre côté. Le bateau, en sécurité, était toujours perché sur la montagne, mais dans cette deuxième version, il ne continuait pas vers la terre, mais était le centre d'une île. Je m'accrochais à ma dernière image alors que le bateau s'accrochait à la terre. Kevin Power, "Conversation avec Juan Uslé" (2000-2003), catalogue de l’exposition 

des séries Soñé que revelabas

Dans l'essai qu'Andrea Soto Calderón signe pour le catalogue de cette exposition, il affirme ce qui suit : "Travailler les limites de l'espace pour ne plus pouvoir les percevoir comme des limites. Un endroit pour dormir, rêver, aimer, désirer, c'est aussi l'endroit où émergent des images, un endroit où l'on travaille à tâtons, où se forment des esquisses d'images pour pouvoir regarder. Ce geste implique une prise de position, un engagement de guérison pour le lieu où leurs images grandissent et se développent, mais aussi un travail rigoureux avec la matière des rêves".

une salle Richard Serra

CHEF-D'ŒUVRE DU MYSTÈRE par Juan Tallón

Voici une sculpture disparue, qui est et en même temps n'est pas présente. C'est un fantôme d'acier de trente-huit tonnes qui est touché, vu, mais aussi caché. Richard Serra l'a conçue pour l'inauguration en 1986, lorsque le bâtiment qui avait abrité un hôpital est devenu un centre d'art, d'abord, puis un musée national en 1990. Après son acquisition en 1988, l'ouvrage a été exposé pendant quelques mois, a été déplacé dans un entrepôt, a été exposé à nouveau pendant un mois et en 1990 a été déposé dans un bâtiment industriel, propriété de Macarrón S. Le musée l'a oublié pendant des années, quand il s'en est souvenu c'était déjà 2005 et il avait disparu sans laisser de traces. Il n'y avait même pas le bâtiment industriel, ni l'entreprise qui la gardait.

Lorsque la nouvelle a été révélée, au début de 2006, elle a scandalisé le monde ; la crise était capitale. La police a cherché désespérément l'œuvre, mais ne l'a jamais trouvée. Personne n'a pu expliquer comment il s'est évanoui, ni aux mains de qui, ni à quel moment. Malgré ses trente-huit tonnes et son volume, elle s'est évaporée comme si elle était légère, un chef-d'œuvre de la disparition.

Mais parfois, avec le temps, un malheur se traduit par un coup de chance et passe de fatalité à merveille. En 2008 Serra a fait une réplique (…) et l'a transformée, presque comme par magie, en authentique. C'était, à la fois, une copie et un original. Elle a été installée pour toujours dans cette pièce.

Les années ont passé et une légende s'est érigée autour d'elle : ce que seules quelques œuvres d'art atteignent. Elle est tellement chargée d'énigmes qu'elle déborde ses limites physiques et se déploie dans l'espace, remplit la salle, s'étend à travers le musée, s'aventure à travers le monde. Qui voudrait, à ce stade, savoir où elle se trouve. C'est plus beau comme ça, comme chef-d'œuvre du mystère.

Les vêtements du deuil Hervé Guibert/Miquel Barceló

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Hervé Guibert (Paris, 1955-1991) était un critique, écrivain et photographe français. En 1990, il a publié À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie, qui est immédiatement devenu un jalon de la post modernité littéraire, non seulement parce qu'il a révélé son statut de séropositif alors compris comme une condamnation à mort, mais aussi à cause de sa désincarnation et impudique exercice d'autofiction.

Miquel Barceló était son ami dans ses dernières années et est devenu - sous le nom de Yannis - un personnage central de deux de ses romans, L'homme au chapeau rouge et Le paradis, publiés l'année suivant sa mort. 

En 1990, le peintre a réalisé une série de portraits de lui que l'écrivain a décrit ainsi : « Maintenant, Yannis me peignait en train de mourir, un crâne sous un chapeau rouge aux yeux bleus incandescents [...]. Il peignait trois ou quatre tableaux par jour, puis les jetait par terre pour les vaporiser d'un acide qui les corrode et me défigure, [...] et il disait : "Je t'ai arraché ton âme". 

Ces portraits, encore inédits, sont un témoignage important de la relation intellectuelle que le peintre a établie avec des figures clés du monde culturel français, mais aussi une limite à la possibilité de représentation d'une absence, d'apporter la mort au tableau comme limite de la peinture. 

Comme Barceló lui-même l'a écrit dans sa récente autobiographie : « Peindre, c'est effacer ».

au détour d’une salle, retrouver le travail de Maider Lopez 

Playa de Itzurun, 2005

Maider López développe son travail en intervenant dans l'espace public et l'architecture. Ses actions ouvrent le territoire à la dérive et au hasard, et invitent à chercher de nouvelles façons de voir et de se rapporter à l'environnement. Ainsi, sa formation initiale en sculpture et peinture, dans le contexte artistique basque, évolue vers des domaines élargis plus liés à la performance et à l'action.

Les photographies de la plage d'Itzurun montrent un dimanche d'août où une serviette rouge a été offerte à tous ceux qui arrivaient à la plage pour qu'ils l'utilisent ce jour-là. L'apparente normalité estivale est interrompue par la couleur, transformant le paysage et modifiant une situation quotidienne. López introduit une forme dirigée de déviation dans le comportement des citoyens pour créer des « chorégraphies » qui constituent des jeux visuels pleins d'humour et fusionnent sculpture, peinture et performance, donnant une expérience chorale à l'œuvre. Une pratique à mi-chemin entre la récupération de la poésie publique des années soixante et « l'esthétique relationnelle », théorisée dans la première décennie du XXIe siècle.

au Thyssen-Bornemizza 

Wilhelm Hammershoi L’œil qui écoute

Vilhelm Hammershoi a combiné ses études à l'Académie des Beaux-Arts de Copenhague avec des cours dans les écoles modernes d'études libres. 

Depuis 1883. Au cours de ces années, il a peint ses premiers paysages et figures, absorbés ou de dos, dans des environnements austères, dans une petite palette de blancs, gris, bruns et noirs qui caractérise le reste de sa carrière.

« J'ai surtout peint des intérieurs... Comment suis-je entré dans ça ?... C'est ainsi que c’est apparu. Et maintenant c'est moderne, tout le monde veut des intérieurs, aujourd'hui ils n'acceptent presque rien d'autre »

(Hammershoi, 1907). Hammershoi a fait de l'intérieur de ses maisons l'un de ses motifs les plus populaires. Parmi celles-ci se distingue celle du numéro 30 de Strandgade, dans un bâtiment du XVIIIe siècle du quartier de Christianshavn, à Copenhague. Pendant les 10 années où il y a vécu, il a peint ses pièces aux murs jaunes et lilas à plus de 60 reprises. Il comprenait souvent une figure de dos, un moyen courant dans les scènes domestiques de la peinture néerlandaise du XVIIe siècle. Dans les intérieurs de Hammershoi, avec peu de meubles ou de décoration, ces figures deviennent introverties et distantes et s'éloignent de la chaleur qu'elles apportaient aux œuvres des maîtres néerlandais ou des contemporains danois comme Carl Holsoe.

Museo Lázaro Galdiano  sur recommandation de Colo 

outre l’exposition permanente une exposition vidéo 

Exposition Fashionart

 Fashion Art Institute est un projet international créé par le designer Manuel Fernández, pionnier de la fusion entre la mode et l'art contemporain. Né en 1998 à partir de sa propre pratique créative, le projet est né du besoin du designer d'étendre le langage de la mode à travers le dialogue avec des artistes plastiques, transformant le vêtement en un support artistique.

Augustine Ibarrola Mes yeux 2022

Depuis la première grande exposition dans le Musée national des beaux-arts de Buenos Aires en 2003, Manuel Fernández a promu le Fashion Art Institute en tant que plate-forme vivante de création collective, réunissant plus de 350 artistes de 46 nationalités (…)

Carlos Goierraga Fleurs 2026

(…) Né en 1998 de sa propre pratique créative, le projet est né du besoin du designer d'élargir le langage de la mode à travers le dialogue avec les artistes visuels, transformant le vêtement en un support artistique. 

en sortant du métro Le musée de sculpture à l’air libre La Castellana

Eduardo Chillida  

Ce musée constitue un espace urbain où les éléments fonctionnels - pont, accès, passages pour piétons, etc. - forment un ensemble unitaire avec la collection de sculptures abstraites qui y sont exposées.

Le pont est une structure aux proportions élégantes, au design soigné et aux matériaux de haute qualité - béton blanc et acier corten - qui révèlent une intention esthétique déterminée. 

Deux de ses auteurs, les ingénieurs José Antonio Fernández Ordóñez et Julio Martínez Calzón, ainsi que l'artiste Eusebio Sempere, ont eu l'idée de configurer la zone inférieure en parc - musée pour la contemplation et les loisirs des citoyens. Le projet a été approuvé en 1971, mais l'enceinte n'a été officiellement inaugurée qu'en 1979.

La collection est un échantillon des différentes tendances au sein du mouvement abstrait espagnol. Les premières tentatives de rupture avec l'académisme dominant, dans les années 1920, sont représentées par Miró, González et Alberto. Les autres artistes du musée font partie de la nouvelle génération d'avant-garde qui a émergé après la parenthèse de la guerre civile. Ainsi, les tendances géométriques se retrouvent dans les œuvres de Leoz, Palazuelo, Rueda, Sobrino, Alfaro, Torner et Gabino ; la recherche expressive des volumes et de la matière chez Serrano, Subirachs, Martí et Chillida ; l'idée du mouvement chez Sempere ; le rythme des formes chez Chirino ; et les effets picturaux et lumineux dans le "relief" de Rivera.

Les effets éléments ornementaux conçus par Sempere - les balustrades du pont, les bancs, et la fontaine de feuilles d'eau - ainsi qu'un éclairage soigné, complètent l'installation du musée.

Entre 2001 et 2002, une restauration intégrale de l'ensemble de l'enceinte a été réalisée, afin qu'elle conserve son caractère de lieu de rencontre avec l'art contemporain.