Lu et vu (178)

Lu

Le grand cahier d’Agota Kristof

Vu

À Burgos au Centro de Arte Caja de Burgos

Matiás Ercole Me olvidé de mis ojos J’ai oublié mes yeux 

Matías Ercole comprend le paysage comme un territoire où l'identité, la mémoire et la culture s'entremêlent. "Le dessin est capable de nous révéler des structures invisibles du paysage et de la mémoire", note l'artiste. Ses œuvres montrent un monde en transformation, un organisme visuel qui semble s'étendre, se contracter et muter sous le regard du spectateur.

Le projet explore le paysage en tant que construction culturelle : un champ de frictions où coexistent le crédible, l'émotionnel et le symbolique. Les images ne décrivent pas un lieu ; elles s'interrogent sur les conditions qui nous permettent de l'imaginer ou de nous en approprier. Au CAB, ses œuvres acquièrent une dimension architecturale décisive. Déployés comme des murs, des passages ou des fragments d'un bâtiment imaginaire, ils transforment la salle en un parcours qui exige une position active du spectateur.

Ercole a recours à une technique inhabituelle dans la pratique contemporaine : le sgraffido, utilisé comme méthode de fouille. Chaque incision fait émerger des couches de lumière et de couleur qui altèrent la perception du paysage et remettent en question les codes traditionnels de sa représentation. Ce geste relie les références latino-américaines - le sauvage et le mythique, des imaginaires anthropophages de Tarsila do Amaral aux archives de voyage de Johann Moritz Rugendas - à l'héritage européen du paysage compris comme l'art de l'ordre et la projection culturelle.

Matías Ercole (Buenos Aires, 1987) vit entre Rome et Buenos Aires. Formé en arts visuels et avec une carrière reconnue en Argentine et en Europe, il a reçu des prix tels que le Nuevo Talento Drawing Room Lisboa ou le Premier Prix d'Acquisition du Salon National. Son œuvre fait partie de diverses collections publiques et privées et a été exposée dans des institutions des deux continents.

au Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Espagnol

le travail de Chiara Camoni

Dans la chapelle, Camoni place des pièces de sa série Colonne (colonnes) œuvres d'origine architecturale, comme le montre son titre, mais qui sont puissamment anthropomorphes. En eux, on perçoit une profonde ambivalence, car ils font appel à l'humain, à l'animal, à l'architecture, au naturel... Des notions oniriques circulent autour d'elles comme un vent chaud et léger qui caresse doucement les feuilles et les branches, et entre elles glissent des échos d'histoires mythiques. Mais surtout, ce que ces pièces transmettent est un engagement incontournable envers la qualité plastique de tout exercice artistique.

Nous assistons ici à des climats variés qui oscillent entre l'austérité et l'exubérance.

La céramique est le domaine qu’elle cultive avec le plus d'emphase. Elle incorpore dans ses figures une matière vivante provenant de la nature avec laquelle il renvoie paradoxalement à des lieux ataviques. Dans son travail, on observe une réflexion sur la tradition, qui est ici ductile, perméable, hybride. Parce que dans son répertoire, on entend des voix qui proviennent de cultures ancestrales - préhelléniques pour la plupart -, mais on voit aussi des traces qui nous mènent au maniérisme ou au baroque.

Il y a un faire collectif qui atteint un parti pris politique. L'atelier de Camoni est situé à Fabbiano, un petit village près de Lucques, en Toscane, où l'on pratique un militantisme de l'ordinaire. La terre et l'eau se rencontrent, et dans le fort sens de la communauté qui s'y forge, l'étonnement de l'imprévisible naît.

Deux chiens saluent le visiteur à son arrivée dans la salle 9. Il y a en eux un attachement au tellurique, car ils renvoient à la matière dont ils sont nés. Au centre de la salle, nous voyons les célèbres mosaïques de l'artiste. Ils désignent un lieu et dégagent cet arôme de vestige, de l'espace qui était. 

En arrière-plan, des structures en cuivre accueillent des soies sur laquelle on voit imprimées des formes de coupe spectrale, prises directement de la nature, comme un frottage. Elles offrent des présences incertaines, enveloppées dans le mystère qu'elles offrent invariablement en convoquant la vie et l'art.

mais aussi de Luis Fernandez

Sandra Gamarra

Adolfo Schlosser

 

au Musée de la Sculpture Luisa Roldán, une sculptrice à la cour

À une époque qui n'a pas donné d'espace propre aux femmes au-delà du noso ou du couvent, la figure de Luisa Roldán (Séville, 1652-Madrid, 1706) s'éleve comme un cas inhabituel dans l'Europe baroque. Fille de Pedro Roldán, le plus célèbre sculpteur de Séville à la fin du XVIIe siècle, son intégration dans l'atelier familial lui a permis de se lancer dans la profession sans enfreindre aucune norme sociale.

À dix-neuf ans, consciente de son talent, elle fuit la tutelle paternelle pour épouser le sculpteur Luis Antonio de los Arcos, qui signera les contrats pour les commandes de Luisa. Après son séjour à Séville et Cadix, elle s'installe à Madrid en 1688 et est nommée sculptrice de chambre de Charles II puis de Philippe V.

Sa vie était paradoxale : elle est morte le jour même où l'Académie de San Luca de Rome l'a nommée « academica di merito », bien que, quelques jours auparavant, elle ait signé une déclaration de pauvreté.

C'était une créatrice très polyvalente, mais elle s'est fait particulièrement apprécier à la Cour pour ses belles terre cuites - « bijoux de sculpture », les appelait-, un matériau humble dont elle extraira une délicatesse peu commune, qui annonçait la légèreté et la grâce que la sensibilité rococo imposera des décennies plus tard.

Ses silhouettes transmettent une fraîcheur naturelle, comme si elles s'arrêtaient au milieu de son geste. Cette vivacité amicale et bavarde, associée à sa reconstitution minutieuse, à ses vêtements richement élaborés et à ses couleurs sucrées, trouvera son environnement idéal dans l'intimité des cabinets et des chapelles de l’aristocratie à la cour. 

CATALÀ-ROCA LA LUCIDITÉ DU REGARD

Après le centième anniversaire de sa naissance, Francesc Català-Roca s'est imposé comme l'une des figures fondamentales de la photographie humaniste documentaire de l'après-guerre espagnole ; le père de la génération qui a renouvelé le langage photographique et une référence pour la génération suivante.

Connaissant la photographie artistique d'avant-garde et les tendances expérimentales qui ont précédé la guerre civile, préoccupées par la recherche d'un langage expressif, esthétique, dans lequel la forme prédominait sur le contenu, Català-Roca a opté dans l'après-guerre pour une photographie (…) qui reflétait la réalité qui l'entourait au-dessus de toute expérimentation artistique.

(…)

Dans ses photographies, nous trouvons le portrait de la ville et de ses habitants, sa culture, ses traditions, ses personnages, ses modes de vie, ses difficultés et aussi ses illusions ; un dynamisme qui nous parle des changements qui se produisent dans l'économie et dans l'architecture d'un pays qui commence peu à peu à se remettre des ravages de la guerre civile.

Ainsi, nous trouvons des photographies dans lesquelles les moyens de transport en voitures, en calèches et en mules coexistent avec les bus à deux étages et les voitures de luxe ; les vendeurs de rue, les vendeurs de rue, les nettoyeurs de chaussures, les nettoyeurs de chaussures, avec des gens insouciants arborant leur cœur de palmier ou se baignant sur les plages ; la pauvreté des bidonvilles avec la richesse des intérieurs de certaines maisons et l'élégante bourgeoisie qui se rend au Liceo ; l'animation et l'agitation de certaines rues avec le vide et la solitude d'autres. (…).

Son travail, multidisciplinaire, ne se résume pas à la photographie documentaire humaniste, mais également à l'artisanat, à l'art, ainsi qu'à de nombreux documentaires.

un concert aux chandelles à l’église San Pablo