Conversation (59) entre amies

cinq six autour d’une table, les angoisses liées à l’actualité, ce qui rampe autour de soi. puis l’une Moi, ça m’est égal, j’ai la  double nationalité Son amie, elle sourit Oui mais toi tu es noire L’autre Oui, mais moi je peux partir La première avec douceur comme si elle s’adressait à une enfant récalcitrante Oui, mais t’es noire, un temps, est-ce drôle, légère hésitation, flottement, on rit

le lendemain, d’autres arbres à fleurs roses et blanches

 

il vient à votre rencontre Vous regardez quoi, vous voulez acheter la maison, ah ! les arbres, des merisiers, oui, les roses aussi, ça donne de petits fruits, comment c’est venu. je sais pas moi et soudain fulminant, de toute façon, il faut tous les arracher, vous voyez pas qu’ils sont malades ou quoi, ils veulent pas qu’on y touche, que c’est joli, que c’est l’identité de la rue, des mots comme ça,

tenez, de l’autre côté, visez-moi ça là crevé, un haussement d’épaules exaspéré, il tourne les talons

Petites choses (143) qui réchauffent le cœur

Quand un arbre décoratif  étreint un jeune cerisier. 

Avec une pensée pour la fin de Philémon et Baucis

Wikipédia : pour les récompenser de leur hospitalité, Zeus et Hermès leur demandent d'aller sur une montagne et les préservent d'un déluge dont ils inondent la contrée, punissant ainsi ses habitants inhospitaliers. Ils changent leur cabane en temple. Philémon et Baucis émettent le souhait d'en être les gardiens et de ne pas être séparés dans la mort. Zeus les exauce : ils vivent ainsi dans le temple jusqu'à leur ultime vieillesse et, à leur mort, ils sont changés en arbres qui mêlent leur feuillage, Philémon en chêne et Baucis en tilleul.

Lu et vu (181)

 Lu

Le jeu de la dame de Walter Travis

L’autre fille d’Annie Ernaux

Le grand fleuve Amour de Leta Semadeni

   Avant de sortir de chez Olga, Elsa se regarda rapidement dans le miroir. C'est pénible de se voir flétrir, dit-elle. Le corps exige de plus en plus d'attention. L'enveloppe se dessèche, la carcasse devient branlante et la chair flasque.

   Elle se remit du rouge à lèvres et essaya de choper une mouche qui était sur le bord du miroir.

   Comment une mouche vit-elle l'écoulement de son temps ? demanda-t-elle à Olga. Les ravages du corps étaient-ils moins perceptibles quand on était une mouche et que le temps était si limité ? (p 165)

Vu 

Conférence 

Gilles Clément Le brassage planétaire 

Spectacle

La malquerida de Jacinto Benavente mis en scène par Natalia Menéndez 

A Tire d’Elles -L’art d’accommoder les restes de la compagnie Rocking Chair Théâtre (marionnettes)

Madrid expositions 

au Reina Sofía

Máscara y compás de Maruja Mallo (rétrospective)

ese barco en la montaña de Juan Uslé (rétrospective)

1986 Ce bateau dans la montagne 
Huile, vinyle, dispersion et pigment sec sur toile

   

"La première chose que j'ai faite avant de prétendre faire quelque chose de nouveau, dans ce contexte totalement inconnu pour nous, a été d'essayer de me répéter, presque de me cloner en essayant de peindre à nouveau 1960. Sans m'en rendre compte, cette version est devenue une nouvelle image de la précédente, faite de l'autre côté. Le bateau, en sécurité, était toujours perché sur la montagne, mais dans cette deuxième version, il ne continuait pas vers la terre, mais était le centre d'une île. Je m'accrochais à ma dernière image alors que le bateau s'accrochait à la terre. Kevin Power, "Conversation avec Juan Uslé" (2000-2003), catalogue de l’exposition 

des séries Soñé que revelabas

Dans l'essai qu'Andrea Soto Calderón signe pour le catalogue de cette exposition, il affirme ce qui suit : "Travailler les limites de l'espace pour ne plus pouvoir les percevoir comme des limites. Un endroit pour dormir, rêver, aimer, désirer, c'est aussi l'endroit où émergent des images, un endroit où l'on travaille à tâtons, où se forment des esquisses d'images pour pouvoir regarder. Ce geste implique une prise de position, un engagement de guérison pour le lieu où leurs images grandissent et se développent, mais aussi un travail rigoureux avec la matière des rêves".

une salle Richard Serra

CHEF-D'ŒUVRE DU MYSTÈRE par Juan Tallón

Voici une sculpture disparue, qui est et en même temps n'est pas présente. C'est un fantôme d'acier de trente-huit tonnes qui est touché, vu, mais aussi caché. Richard Serra l'a conçue pour l'inauguration en 1986, lorsque le bâtiment qui avait abrité un hôpital est devenu un centre d'art, d'abord, puis un musée national en 1990. Après son acquisition en 1988, l'ouvrage a été exposé pendant quelques mois, a été déplacé dans un entrepôt, a été exposé à nouveau pendant un mois et en 1990 a été déposé dans un bâtiment industriel, propriété de Macarrón S. Le musée l'a oublié pendant des années, quand il s'en est souvenu c'était déjà 2005 et il avait disparu sans laisser de traces. Il n'y avait même pas le bâtiment industriel, ni l'entreprise qui la gardait.

Lorsque la nouvelle a été révélée, au début de 2006, elle a scandalisé le monde ; la crise était capitale. La police a cherché désespérément l'œuvre, mais ne l'a jamais trouvée. Personne n'a pu expliquer comment il s'est évanoui, ni aux mains de qui, ni à quel moment. Malgré ses trente-huit tonnes et son volume, elle s'est évaporée comme si elle était légère, un chef-d'œuvre de la disparition.

Mais parfois, avec le temps, un malheur se traduit par un coup de chance et passe de fatalité à merveille. En 2008 Serra a fait une réplique (…) et l'a transformée, presque comme par magie, en authentique. C'était, à la fois, une copie et un original. Elle a été installée pour toujours dans cette pièce.

Les années ont passé et une légende s'est érigée autour d'elle : ce que seules quelques œuvres d'art atteignent. Elle est tellement chargée d'énigmes qu'elle déborde ses limites physiques et se déploie dans l'espace, remplit la salle, s'étend à travers le musée, s'aventure à travers le monde. Qui voudrait, à ce stade, savoir où elle se trouve. C'est plus beau comme ça, comme chef-d'œuvre du mystère.

Les vêtements du deuil Hervé Guibert/Miquel Barceló

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Hervé Guibert (Paris, 1955-1991) était un critique, écrivain et photographe français. En 1990, il a publié À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie, qui est immédiatement devenu un jalon de la post modernité littéraire, non seulement parce qu'il a révélé son statut de séropositif alors compris comme une condamnation à mort, mais aussi à cause de sa désincarnation et impudique exercice d'autofiction.

Miquel Barceló était son ami dans ses dernières années et est devenu - sous le nom de Yannis - un personnage central de deux de ses romans, L'homme au chapeau rouge et Le paradis, publiés l'année suivant sa mort. 

En 1990, le peintre a réalisé une série de portraits de lui que l'écrivain a décrit ainsi : « Maintenant, Yannis me peignait en train de mourir, un crâne sous un chapeau rouge aux yeux bleus incandescents [...]. Il peignait trois ou quatre tableaux par jour, puis les jetait par terre pour les vaporiser d'un acide qui les corrode et me défigure, [...] et il disait : "Je t'ai arraché ton âme". 

Ces portraits, encore inédits, sont un témoignage important de la relation intellectuelle que le peintre a établie avec des figures clés du monde culturel français, mais aussi une limite à la possibilité de représentation d'une absence, d'apporter la mort au tableau comme limite de la peinture. 

Comme Barceló lui-même l'a écrit dans sa récente autobiographie : « Peindre, c'est effacer ».

au détour d’une salle, retrouver le travail de Maider Lopez 

Playa de Itzurun, 2005

Maider López développe son travail en intervenant dans l'espace public et l'architecture. Ses actions ouvrent le territoire à la dérive et au hasard, et invitent à chercher de nouvelles façons de voir et de se rapporter à l'environnement. Ainsi, sa formation initiale en sculpture et peinture, dans le contexte artistique basque, évolue vers des domaines élargis plus liés à la performance et à l'action.

Les photographies de la plage d'Itzurun montrent un dimanche d'août où une serviette rouge a été offerte à tous ceux qui arrivaient à la plage pour qu'ils l'utilisent ce jour-là. L'apparente normalité estivale est interrompue par la couleur, transformant le paysage et modifiant une situation quotidienne. López introduit une forme dirigée de déviation dans le comportement des citoyens pour créer des « chorégraphies » qui constituent des jeux visuels pleins d'humour et fusionnent sculpture, peinture et performance, donnant une expérience chorale à l'œuvre. Une pratique à mi-chemin entre la récupération de la poésie publique des années soixante et « l'esthétique relationnelle », théorisée dans la première décennie du XXIe siècle.

au Thyssen-Bornemizza 

Wilhelm Hammershoi L’œil qui écoute

Vilhelm Hammershoi a combiné ses études à l'Académie des Beaux-Arts de Copenhague avec des cours dans les écoles modernes d'études libres. 

Depuis 1883. Au cours de ces années, il a peint ses premiers paysages et figures, absorbés ou de dos, dans des environnements austères, dans une petite palette de blancs, gris, bruns et noirs qui caractérise le reste de sa carrière.

« J'ai surtout peint des intérieurs... Comment suis-je entré dans ça ?... C'est ainsi que c’est apparu. Et maintenant c'est moderne, tout le monde veut des intérieurs, aujourd'hui ils n'acceptent presque rien d'autre »

(Hammershoi, 1907). Hammershoi a fait de l'intérieur de ses maisons l'un de ses motifs les plus populaires. Parmi celles-ci se distingue celle du numéro 30 de Strandgade, dans un bâtiment du XVIIIe siècle du quartier de Christianshavn, à Copenhague. Pendant les 10 années où il y a vécu, il a peint ses pièces aux murs jaunes et lilas à plus de 60 reprises. Il comprenait souvent une figure de dos, un moyen courant dans les scènes domestiques de la peinture néerlandaise du XVIIe siècle. Dans les intérieurs de Hammershoi, avec peu de meubles ou de décoration, ces figures deviennent introverties et distantes et s'éloignent de la chaleur qu'elles apportaient aux œuvres des maîtres néerlandais ou des contemporains danois comme Carl Holsoe.

Museo Lázaro Galdiano  sur recommandation de Colo 

outre l’exposition permanente une exposition vidéo 

Exposition Fashionart

 Fashion Art Institute est un projet international créé par le designer Manuel Fernández, pionnier de la fusion entre la mode et l'art contemporain. Né en 1998 à partir de sa propre pratique créative, le projet est né du besoin du designer d'étendre le langage de la mode à travers le dialogue avec des artistes plastiques, transformant le vêtement en un support artistique.

Augustine Ibarrola Mes yeux 2022

Depuis la première grande exposition dans le Musée national des beaux-arts de Buenos Aires en 2003, Manuel Fernández a promu le Fashion Art Institute en tant que plate-forme vivante de création collective, réunissant plus de 350 artistes de 46 nationalités (…)

Carlos Goierraga Fleurs 2026

(…) Né en 1998 de sa propre pratique créative, le projet est né du besoin du designer d'élargir le langage de la mode à travers le dialogue avec les artistes visuels, transformant le vêtement en un support artistique. 

en sortant du métro Le musée de sculpture à l’air libre La Castellana

Eduardo Chillida  

Ce musée constitue un espace urbain où les éléments fonctionnels - pont, accès, passages pour piétons, etc. - forment un ensemble unitaire avec la collection de sculptures abstraites qui y sont exposées.

Le pont est une structure aux proportions élégantes, au design soigné et aux matériaux de haute qualité - béton blanc et acier corten - qui révèlent une intention esthétique déterminée. 

Deux de ses auteurs, les ingénieurs José Antonio Fernández Ordóñez et Julio Martínez Calzón, ainsi que l'artiste Eusebio Sempere, ont eu l'idée de configurer la zone inférieure en parc - musée pour la contemplation et les loisirs des citoyens. Le projet a été approuvé en 1971, mais l'enceinte n'a été officiellement inaugurée qu'en 1979.

La collection est un échantillon des différentes tendances au sein du mouvement abstrait espagnol. Les premières tentatives de rupture avec l'académisme dominant, dans les années 1920, sont représentées par Miró, González et Alberto. Les autres artistes du musée font partie de la nouvelle génération d'avant-garde qui a émergé après la parenthèse de la guerre civile. Ainsi, les tendances géométriques se retrouvent dans les œuvres de Leoz, Palazuelo, Rueda, Sobrino, Alfaro, Torner et Gabino ; la recherche expressive des volumes et de la matière chez Serrano, Subirachs, Martí et Chillida ; l'idée du mouvement chez Sempere ; le rythme des formes chez Chirino ; et les effets picturaux et lumineux dans le "relief" de Rivera.

Les effets éléments ornementaux conçus par Sempere - les balustrades du pont, les bancs, et la fontaine de feuilles d'eau - ainsi qu'un éclairage soigné, complètent l'installation du musée.

Entre 2001 et 2002, une restauration intégrale de l'ensemble de l'enceinte a été réalisée, afin qu'elle conserve son caractère de lieu de rencontre avec l'art contemporain.

Petites choses qui (142) émeuvent

 

la maison est inhabitée depuis plusieurs années déjà, sa propriétaire, selon une voisine du quartier, au foyer logement d’à-côté, 

herbes folles et ronces montent à l’assaut des volets, imperturbable le vieux cerisier célèbre le printemps

Le printemps, à pas de géant

9h1/2, en montant vers le château de Franqueville 

mobilier urbain (2)

 

sur les quais, de la propreté dans le métro de Madrid