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 Vu

Ciné

Los Tortuga de Belén Funes

Expsosiciones

A Évora : centre d’art contemporain 

Mapeando o que não se vê / cartographier ce qui ne peut pas être vu

Où vit l'Invisible.

Mafalda Milhões en dialogue avec Mapping the Unseen

(…) L'illustratrice, éditrice et créatrice de livres Mafalda Milhões présente une intervention unique, conçue comme une extension poétique et sensorielle de l'exposition principale.

Inspirée par l'univers des villes invisibles d'Italo Calvino et les thèmes de l'exposition - mémoire, émotion, appartenance et territoires rêvés - Mafalda tire un lieu où les plus jeunes (et les adultes curieux) peuvent découvrir et inventer leurs propres "villes invisibles"

(…) La proposition de Mafalda Milhões nous invite à considérer l'art comme un territoire habitable et l'enfance comme une façon de voir et d'être dans le monde - ouvert, inventif et toujours en construction.

Chantal Akerman

Une voix dans le désert, 2002

Vidéo monocanal, couleur, son, 52'11"

Collection МАСВА. Fondation MACBA. Travail acheté grâce à El Corte Inglés

Une voix dans le désert [A Voice in the Desert] est une vidéo qui faisait partie de l'installation vidéo De l'autre côté [From the Other Sidel qu'Akerman a conçue pour Documenta à Kassel en 2002. Elle a réalisé la vidéo à la frontière entre le Mexique et les États-Unis, en particulier dans le désert de l'Arizona, une zone qui s'étend sur deux montagnes et divise les deux pays.

Là, elle a installé un écran de dix mètres sur lequel sont montrées les minutes de clôture du film De lautre côté. C'était une représentation de la frontière elle-même, sur laquelle elle a projeté des images nocturnes fantomatiques de personnes essayant de traverser d'un côté à l'autre. Ces images ont été projetées des deux côtés de l'écran afin qu'elles puissent être vues par les personnes de chaque côté de la frontière. Situés dans le paysage désertique, ces images ont disparu à l'aube comme une allégorie des désirs et des rêves contrecarrés des hommes et des femmes qui s'étaient partis à la recherche d'un nouvel avenir.

L'analogie devient plus prononcée dans le cas du protagoniste de De l'autre côte, une Mexicaine qui réussit à traverser la frontière et se dirige vers le nord, mais disparaît peu de temps après. Le propriétaire de la maison où Akerman vivait pendant son voyage lui a raconté cette histoire et Akerman l'a ensuite racontée en anglais et en espagnol dans le film. Cependant, le sien n'est pas le seul témoignage, car le fils de la femme révèle également son chagrin et son inquiétude découlant de sa recherche infructueuse de sa mère.

L'œuvre est une critique non seulement du problème de longue date de la frontière entre le Mexique et les États-Unis, mais aussi des nombreux épisodes de conflits qui se terminent par une tragédie. En conséquence, il condamne également la peur de l'autre, la pauvreté et l'identité fragile.

À Mérida, centre culturel, exposition photo d’Oskar Alvarado Vitoria-Gazteiz 1968

Là où les lucioles se déploient

 

Deleitosa est mon village. Mes parents, grands-parents, arrière-grands-parents et autres ancêtres y sont nés. C'est le lieu qu'Eugene Smith a choisi pour son essai photographique « Village espagnol » en 1950. Loin de se contenter de dépeindre les éléments de ce qui est devenu une icône photographique du sous-développement socio-économique de l'Espagne rurale, mon regard recèle des nuances subjectives liées à une série d'expériences personnelles, de lieux et de souvenirs. 

Des images qui entremêlent des épisodes flottant dans mon imagination avec les nouvelles réalités qui coexistent dans le village. Il y a un besoin émotionnel de réfléchir au territoire dont nous faisons partie. D'explorer notre identité dans l'écho des lieux qui nous parlent encore ou dans l'absence-présence des personnes et des êtres qui les habitent. De créer une interprétation visuelle qui évoque le mystère manifesté dans les rythmes quotidiens, dans la qualité poétique qui sous-tend l'étrange.

À Séville 

Centre d’art contemporain la Cartuja

Kader Attia, Le paradis perdu

HalamTawaaf, 2008

Canettes de bière

500 cm

COURTOISIE DU BROOKLYN MUSEUM OF ART

Halam Tawaaf propose une critique acerbe du point de rencontre entre spiritualité, consumérisme et mondialisation. Cette installation de cinq mètres de diamètre est entièrement composée de canettes de bière vides disposées en cercle, évoquant le pèlerinage autour de la Kaaba lors du Hajj. Le titre lui-même – fusion de « halam » (de l’arabe haram, interdit par la loi islamique) et de tawaf (le pèlerinage autour du sanctuaire) – souligne une tension persistante entre le sacré et le profane, entre pureté rituelle et résidus de la consommation mondiale. Les canettes de bière, symbole banal des excès occidentaux, se muent en corps sculpturaux, orchestrant une parodie rituelle qui révèle l’ambivalence de nombreuses identités contemporaines : entre fidélité à la tradition et inévitable enchevêtrement dans une économie culturelle dominée par le capital. En transformant les déchets en symbole, Attia inverse la logique du fétiche : ce qui est rejeté devient structure, ce qui est considéré comme impur se métamorphose en forme. Comme dans d’autres œuvres de l’artiste, le geste sculptural ne purifie pas, mais expose ; il n’idéalise pas, mais tend à interroger les significations. 

 Tawaaf, par sa répétition métallique, pose une question troublante : qu’est-ce qui est préservé ?

Qu’est-ce qui est perdu ? Et que négocie-t-on dans les corps tiraillés entre cultures, religions et systèmes économiques conflictuels ?

Conversation éternelle, 2024

Sculpture murale en techniques mixtes, calebasses et récipients en acier inoxydable

220 x 200 x 18 cm

COURTOISIE DE Mª LUISA RODRÍGUEZ ARELLANO

Dans Conversation éternelle, Kader Attia crée une sculpture murale fondée sur le contraste entre les calebasses séchées – récipients traditionnels utilisés dans de nombreuses cultures africaines – et les récipients contemporains en acier inoxydable. L’œuvre, conçue comme un dialogue visuel entre l’organique et l’industriel, l’artisanal et le manufacturé, suggère un échange entre différentes périodes historiques et épistémologies. Les calebasses, avec leur texture irrégulière et leur légèreté, évoquent des formes de transmission orale, de confinement symbolique et de savoir ancestral transmis de génération en génération.

À l’inverse, les récipients métalliques reflètent le présent globalisé, l’aspect stérile de la production de masse et une logique de conservation dénuée d’histoire. La conversation évoquée par le titre n'est ni harmonieuse ni close, mais tendue, ouverte et persistante : un conflit entre des mémoires matérielles qui coexistent sur un même plan sans se dissoudre. Comme dans d'autres œuvres d'Attia, la réparation ne provient pas ici d'une résolution, mais de la possibilité de faire coexister des fragments en friction, de reconnaître leurs différences sans les hiérarchiser. « Conversation éternelle » transforme la surface murale en un espace de résonance : une archive élargie où ce qui est préservé n'est pas une image figée, mais une relation dynamique entre des formes de savoir qui se questionnent constamment.