Vu
à Bilbao
Azkuna Zentroa : Glenda León Un arbre tombe dans la forêt
Un arbre tombe dans la forêt, de Glenda León (La Havane, 1976), se déploie comme un aperçu de son œuvre. Conçue comme une partition ou une chorégraphie, chacune des propositions active ici, selon le cas, une expérience unique et ouverte.
À travers un langage hybride qui transite entre l'installation, la photographie, la vidéo et le son (toujours en dialogue avec la musique, la parole et le corps), l'artiste construit un espace de perception où se croisent l'intellectuel et l'intuitif, la matière et l'esprit.
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| Corps célestes (2017-2026), 14 travaux / 2 boîtes à lumière, 12 toiles, Poudre d'ailes de papillon sur papier photo |
L'exposition est articulée en trois domaines interconnectés : un premier axe politique et social explore les tensions de la contemporanéité - la polarisation, les mécanismes de pouvoir, la censure ou les paradoxes du progrès - tant dans le collectif que dans l'intimité. Un deuxième domaine aborde la nature comme un système de correspondances, révélant des modèles et des résonances qui relient divers phénomènes d'un point de vue rationnel et en même temps poétique. Une troisième perspective est orientée vers le spirituel, compris comme une dualité qui lie son art et sa biographie.
Loin d'offrir des réponses fermées, la pratique de Glenda León interroge les interstices entre la réalité et la fiction, en articulant un discours subtil où le son et le texte, l'image et la forme, la pensée et la perception, invitent à une contemplation critique qui remet en question notre façon d'habiter le monde.
Tout cela, à partir d'une esthétique minimaliste et d'une ambition conceptuelle qui permettent d'obtenir un langage d'une grande subtilité formelle.
Une langue propre au XXIe siècle qui nous permet de nommer ses carrefours. Ainsi de :
PARLER À DIEU 2018
Vidéo monocanal 52mm
Des chants calmes plongent l'intérieur de l'église baroque dans une expression de révérence et de tension retenue. Les adorateurs, assis sur des bancs et baignés d'une lueur éthérée, gardent les yeux baissés, vraisemblablement en prière.
Soudain, la vidéo révèle l’intérêt des fidèles pour leur téléphone portable, un outil qui occupe la majeure partie de nos vies.
Le chant contribue à entrer dans toute une atmosphère liturgique, mais il s'agit d'une altération technologique des sons émis par les chauves-souris, de sorte qu'ils ressemblent à une tonalité humaine. En tant qu'animal nocturne, la chauve-souris est associée au diable dans la culture occidentale. La vidéo passe à une perspective omnisciente, où l'ensemble des écrans se transforme en une constellation d'étoiles.
En parlant à Dieu, elle aborde la technologie comme un phénomène contemporain, et la désacralisation et la décentralisation de ce qu'est le canon. Bien que l'environnement d'une église catholique puisse suggérer une conversation intime avec un Être Supérieur, une exaltation de la Foi, le fait que les gens soient absorbés par leurs téléphones portables nous fait réfléchir sur le rôle que jouent les technologies dans notre vie actuelle. Une mise à jour de la foi pourra-t-elle alors être réalisée ?
Rarement, comme à l'époque d'Internet, nous avons eu la possibilité d'atteindre la connaissance absolue et d'exercer le pouvoir de l'omniprésence. Jamais auparavant l'homme n'a été aussi proche de ressembler à Dieu et pourtant, l'essentiel semble s'éloigner de plus en plus. La beauté du cadre final, distante, semblable à celle d'un ciel étoilé, nous laisse une possible issue, optimiste, où les deux éléments, le technologique et le spirituel, entrent en harmonie.
Au Guggenheim Igshan Adams Soulevant la poussière : L'Archive du corps
Igshaan Adams (Le Cap, 1982) est un artiste pluridisciplinaire dont le travail entremêle la dimension personnelle et l'engagement politique à travers les matériaux, le geste et la forme. Nourri par les souvenirs de son enfance à Bonteheuwel - une banlieue marquée par la ségrégation raciale et façonnée par les divisions spatiales de l'apartheid — Adams transforme des matériaux modestes, tels que la corde, les perles ou le fil métallique, en compositions élaborées qui interrogent les liens entre la race, la religion, la sexualité et la mémoire.
Il s'inspire notamment des sols en linoléum imprimé des intérieurs domestiques, transformant ces motifs familiers en abstractions qui reflètent à la fois l'intimité et le déracinement.
Adams a récemment élargi le champ de ses recherches pour y intégrer la dimension du mouvement. Sa collaboration avec le Garage Dance Ensemble à O'okiep, dans la province sud-africaine du Cap-Nord - d'où est originaire sa famille maternelle — a favorisé un échange inédit entre le textile et la danse. À travers des ateliers menés avec les danseurs, Adams a conçu un processus dans lequel les corps se déplacent sur des toiles posées sur des linoléums peints, créant des « empreintes de danse » qui matérialisent des gestes collectifs de libération et de connexion. Construites au fil des performances successives, ces empreintes superposées retracent des rencontres partagées et des efforts visant a, selon l'artiste, « libérer les empreintes psychiques accumulées et sédimentées ».
Les œuvres présentées au Musée Guggenheim Bilbao proviennent des performances réalisées à Athènes en 2024, où des danseurs sud-africains et grecs ont collaboré pour la première fois. Les monotypes ainsi réalisés ont été transformés en une série de tapisseries tissées à grande échelle, suspendues dans l'espace afin de permettre au visiteur de circuler autour et parmi elles. Certaines sont accrochées à des crochets qui repoussent le tissu vers l'extérieur, révélant les deux faces de la tapisserie, d'autres sont accompagnées de petits « nuages » tissés, comme si des fragments de couleur et de mouvement s'étaient détachés de la composition.
À la fois ludique et solennelle, l'installation d'Adams donne forme à des forces invisibles — la mémoire, le rythme, l'empathie — et propose l'acte de tisser comme une pratique corporelle et communautaire de guérison.
à Venise
Organized and funded by Palestine Museum US with generous donations from the following benefactors (as of May 4, 2026)
Lamis Shawa Dajani
Paula Simon
Frank Mellon
John Fussel
Roxanne Bruno
Dana Saleh
Mona Hassan
Eileen Stio
Colin Sutherland
Karina Quintans
Cecil Crasto
SacramentoBethlehem
Dr. Swee Ang
Salman Abu Sitta
Richard English
Emthethal Rezk
lain and Jan Chalmers
Rosette El-Qutami
Michele Gelboin
Leila Baker
Gaza - Pas de mots -
"Si je dois mourir", a écrit le défunt poète de Gaza Refaat Alareer, "vous devez vivre pour raconter mon histoire."
À travers la Palestine et sa diaspora dispersée, les femmes palestiniennes ont pris cet appel. Alors que des bombes tombaient sur Gaza, une femme palestinienne a tiré quelque part un fil rouge à travers un tissu blanc. Avec chaque âme perdue, chaque hôpital bombardé et chaque maison rasée, une main palestinienne la commémorait minutieusement. La tapisserie du génocide de Gaza est devenue leur réponse collective au plaidoyer d'Alareer.
À des centaines de kilomètres, de Ramallah aux camps de réfugiés du Liban et jusqu'en Nouvelle-Zélande, des femmes palestiniennes ont brodé une centaine de panneaux qui formeront ensemble la tapisserie du génocide de Gaza, un témoignage qui refuse de laisser le monde oublier ce qui est fait ou à qui.
Chacun des panneaux de la tapisserie raconte un fragment des deux dernières années ; un enfant qui pleure alors que son monde s'effondre autour d'eux, une maison qui portait autrefois le rire des enfants (…) un homme qui embrasse «L'âme de son âme » pour la dernière fois.
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| « Clé du retour » moderne* |
Lorsqu'elle est assemblée, la tapisserie devient un dossier collectif de perte et d'endurance, et un acte d'accusation contre le silence assourdissant des gouvernements mondiaux face à un génocide diffusé en direct.
Chaque pièce de 80x50 cm de la tapisserie se compose de 55 000 points de croix en 7 couleurs maximum. Plus de 60 femmes palestiniennes dans des camps de réfugiés et des villages du sud du Liban, de la Jordanie et de la Cisjordanie occupée ont participé au projet.
par Jihan Alfarrah
* "Clé de retour" moderne
La clé palestinienne est un symbole puissant et durable de la Nakba (catastrophe) de 1948. Il représente les maisons perdues par plus de 750 000 Palestiniens et leur espoir durable de retour.
La clé, souvent transmise de génération en génération, est symbolique de propriété et d'identité. Cette tradition se poursuit avec de nombreuses familles à Gaza tenant les clés des maisons détruites lors des assauts actuels, marquant d'autres déplacements.
Les clés, même modernes d'aujourd'hui, détenues par les réfugiés à Gaza, représentent le « droit de retour » des terres et des biens volés et détruits.
à Padoue
au musée de l’Eremitani Sandra Marconato Oracles
Isolée, rigoureuse, difficilement assimilable à un courant ou à une tendance, Sandra Marconato (Padoue, 1927-2016) occupe une place singulière dans l'histoire artistique de la ville.
Sa présence était discrète mais incisive, faite plus de travail que de déclarations, plus de substance que d'histoire, et précisément pour cette raison capable de laisser une marque profonde et durable.
Les débuts vénitiens, très jeune au métier à tisser avec Anna Akerdahl, et la rencontre avec Carlo Scarpa définissent immédiatement le périmètre d'une recherche qui ne s'est jamais contentée de l'expertise technique, mais a continuellement interrogé le sens même de l'action.
D'un côté une discipline nordique, attentive à la structure, au rythme, à la construction ; de l'autre une sensibilité, conception capable d'accueillir la couleur, la vibration du verre, sa qualité de couleur et de meuble. Dans cet espace, entre rigueur et ouverture, prend forme un travail qui, au fil des ans, porte l'art textile à des résultats inattendus, l'extrayant de la dimension de l'artisanat pour le placer dans un environnement pleinement contemporain, reconnu dans les lieux les plus influents au niveau international, comme la Biennale de Venise.
Mais c'est surtout dans la matière que l'œuvre de Marconato trouve sa voix la plus authentique. Laine, gaze, papier,
à Arcquà-Pétrarca, la dernière demeure de Pétrarque
en haut de ces marches, ses pièces de vie
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| Elisa Benato-Beltrami (1812-1888) La rencontre de Pétrarque avec Laure, toile |
